Obraz Pole vlčích máků (1873), vystavený na první impresionistické výstavě, zobrazuje Monetovu manželku Camille a jejich syna Jeana na poli poblíž jejich domova v Argenteuil. Stejně jako v mnoha jiných dílech Moneta je Camille kreslená s deštníkem v rukou a jeho ladné obrysy dodávají obrazu zvláštní kouzlo.

Monet maloval "Pole máků" pod širým nebem, na malé přenosné plátno. Přestože obraz zprostředkovává přirozený, spontánní pocit, je pečlivě komponován. To se projevuje nejen ve skutečnosti, že umělec na něm dvakrát opakoval postavy, ale také ve volbě úhlu, který je nastaven tak, že světlé vlčí máky, které vyplňují levou stranu kompozice, jsou umístěny diagonálně podél kterých Camille a Jean jdou, jako by odcházely mimo obraz. Bohatý květ a pohyb, který vyplňuje tuto část obrazu, je v odměřeném kontrastu s klidnými tóny pravého horního okraje plátna, kde terakotová střecha domu umně propojuje pozadí s popředím kompozice.

vášeň pro květiny

Monet po celý život velmi rád maloval květiny – polní, zahradní nebo řezané, v jeho krajinách jsou neustále přítomné.

Monet jednou přiznal, že dvě největší vášně v jeho životě jsou malování a zahradničení. Když maloval květiny, obě tyto vášně se spojily. V Poli vlčích máků, stejně jako v mnoha dalších svých plátnech, si Monet užívá divoké, světlé barvy. Je známo několik krásných Monetových zátiší s řezanými květinami, ale ze všeho nejraději maloval květiny, které rostly v jeho zahradách, nejprve v Argenteuil a později v Giverny. V roce 1871 se Monet přestěhoval se svou rodinou do Argenteuil, aby zde získal svůj první domov a svou první zahradu. nicméně hlavní vášeň v životě umělce byla jeho zahrada v Giverny. Monet vybíral květiny do své zahrady tak, aby byly uspořádány v určitém pořadí, byly kontrastní barvy a kvetly. po celý rok. Ve své zahradě zasadil mnoho neobvyklých květin. Monetovu vášeň pro barvy sdílelo mnoho dalších impresionistických umělců, zejména Gustave Caillebotte. "Určitě přijďte v pondělí, jak bylo dohodnuto," napsal svému příteli Monetovi. "Všechny moje kosatce budou právě kvést."

Posedlost světlem a barvami

Monetova posedlost světlem a barvami vyústila v roky výzkumu a experimentů, jejichž účelem bylo zachytit na plátno prchavé, nepolapitelné odstíny přírody.

MONETOVY OBRAZY daly vzniknout novému malířskému směru – impresionismu a sám Monet je uznáván jako největší a nejtypičtější představitel tohoto směru. Monet po celý svůj dlouhý život vytrvale dodržoval základní pravidla impresionismu – zachycovat scény na plátno moderní život(pro Moneta - to jsou krajiny) a pracovat venku.

PRÁCE V PLÉNU Praxe umělce pracujícího v plenéru (plenéru) nebyla něčím zcela novým. Již na začátku 19. století anglický umělec John Constable často maloval své skici a olejové studie v přírodě. Ve 40. letech 19. století se po jeho vzoru sešla ve vesnici Barbizon u lesa Fontainebleau skupina francouzských umělců s cílem namalovat krajiny, které měly zobrazovat „pravou přírodu“. Camille Corot, vysoce uznávaný mnoha impresionisty pro svůj neidealizovaný pohled na přírodu, maloval také olejem v plenéru a nabádal umělce, aby „následovali svůj první dojem“.

Nejdůležitější pro Monetův umělecký vývoj bylo jeho mladické přátelství s krajinářem Eugènem Boudinem, který se specializoval na malé vzdušné přímořské krajiny, které vytvářel venku. Bodin trval na tom, aby se k němu Monet připojil během jednoho z těchto zasedání v Le Havru. „Najednou mi závoj spadl z očí,“ napsal později Monet.

Tam, v Le Havru, se Monet setkal holandský umělec Johan Bartold Jonkind, který se ve svých mořských krajinách snažil zprostředkovat ty nejjemnější odstíny vzduchu a nálady. Monet o něm později řekl: "Byl to muž, který konečně rozvinul můj zrak."

CO SKUTEČNĚ VIDÍ OKO Monet zjistil, že obraz malovaný venku má jedinečnou svěžest a vitalitu, které nelze dosáhnout prací v ateliéru, kde si umělec předem představí dílo, které se chystá vytvořit. Monetova rada umělcům jasně prozrazuje jeho vlastní přístup k malbě: „Zkuste zapomenout na to, co vidíte před sebou – strom, dům, pole, cokoliv. Jen si pomyslete, že je tam malý modrý čtvereček, tam podlouhlá růžová postava a pokračujte, dokud nebudete mít naivní dojem z obrázku, který máte před očima. Dojem je tedy vizuální impuls vytvořený tím, co je viděno v tomto konkrétním okamžiku.

REVOLUČNÍ NÁPAD Pro všechny impresionisty, a pro Moneta zvláště, bylo hlavním účelem umění zachytit prchavý, prchavý dojem. V té době se taková myšlenka zdála revoluční a šokovala neméně než neskrývaný realismus Courbeta v NOVÉ TECHNIKE K dosažení svých cílů potřeboval umělec nové malířské techniky. Zejména Monet vyvinul vlastní techniku ​​psaní, kdy na plátno nanášel široké, hrubé tahy, tučné rozptýlené tečky, čárky, klikaté a tlusté tahy krátkým štětcem. Monet současně pracoval na celém prostoru obrazu a věřil, jak později řekl, že „první vrstva barvy by měla pokrýt co největší část plátna a bez ohledu na to, jak hrubě je nanesena“.

Zcela novým, revolučním způsobem Monet použil barvu, inspirovanou bezpochyby objevy Eugèna Chevrela o způsobu vizuálního vnímání. Chevreul dokázal, že sousední primární barvy barevné kolo se navzájem změkčují a největšího kontrastu se dosáhne, když jsou doplňkové barvy přilehlé. Dalším důležitým objevem bylo, že barva není vlastní vlastností předmětů. Barva je jednoduše způsob, jakým se světlo míchá, když se odráží od povrchu předmětu. Stejně jako jeho kolegové impresionisté, Monet obecně používal omezenou paletu, preferoval čisté, smíšené barvy a malbou na plátna předem natřená bílým nebo krémovým základním nátěrem, díky kterému byly nanesené barvy světlejší a jasnější.

Dalším důležitým objevem, který ovlivnil vizi umělců, byla fotografie. Na tehdejších fotografiích jsou pohybující se objekty vnímány jako rozmazané skvrny a pouze stacionární objekty mají jasné obrysy. Tento efekt se jasně odrážel v mravenčích postavách lidí, které vidíme na Monetově obraze Boulevard des Capucines (1873).

ZMĚNA OBJEKTU OBRÁZKU

Je velmi zajímavé sledovat, jak se Monetův postoj k vyobrazeným předmětům v průběhu dlouhého života měnil. Navzdory tomu, že byl neustále pohlcen hrou světla, Monet ve svých raných obrazech nejčastěji zobrazoval lidské postavy malované obvyklým způsobem na pozadí krajiny.

Nicméně, blíže k 80. let 19. století, Moneta stále více přitahuje příroda čistá forma. Objeví-li se na obrazech tohoto období postavy nebo neživé předměty, většinou hrají vedlejší roli a ustupují do pozadí.

SÉRIE OBRAZŮ

Navzdory tomu, že umělci vždy vytvářeli řadu náčrtů jedné scény, před Monetem nebyl nikdo, kdo by namaloval tentýž objekt několikrát za různého osvětlení a různých povětrnostních podmínek. Monetovy obrazy představují celou sérii zobrazující kupky sena, topoly, katedrálu v Rouenu, pohled na Londýn od Temže a nakonec lekníny.

Monetovy londýnské krajiny namalované v letech 1899-1901 s rozptýleným světlem a rozptýlenou barvou jsou virtuózními, dramatickými uměleckými díly, z nichž lze vysledovat vývoj umělcova stylu směrem k téměř abstraktnímu způsobu. Ukazují postupný postup umělce k objektu, který bude malovat ve všech zbývajících letech svého života, vytvářel své zahrady a proměňoval je ve vzácná umělecká díla.

Přibližně od roku 1905 až do konce svých dnů se Monet výhradně soustředil na lekníny. Tyto obrazy, na nichž se poháry leknínů doslova zhmotňují na vodní hladině, která nemá horizont, se staly studiemi zachycujícími nekonečnou a neopakující se paletu barev a světla. Ve skutečnosti tyto série obrazů, jako každé brilantní umělecké dílo, vzdorují vysvětlení. Jde o díla básníka, který jemně cítí přírodu a dokáže její krásu přenést do své malby.

Impresionismus se objevil ve Francii v 60. letech 19. století a obrátil se tradiční představení o malování. Při pohledu na slunečné, životem a světlem naplněné obrazy umělců tohoto trendu je těžké uvěřit, že jejich díla na dlouhou dobu nepožívaly uznání a byly považovány za odchylku od kánonů klasické malby. "Around the World" vás zve na cestu po Francii a uvidíte, jak jsou různé části země zachyceny v díle impresionistických umělců.

Claude Monet. "Pole vlčích máků v Argenteuil" (1873)

Obraz „Makové pole...“ namaloval Monet v Argenteuil, které se nachází pouhých 10 kilometrů od Paříže a v 19. století bylo oblíbeným místem pro dovolenou obyvatel hlavního města. Monet a jeho rodina žili na tomto předměstí sedm let a vytvořili mnoho jasných, plných barev a barev pláten.

V Argenteuil umělec hodně pracoval pod širým nebem: vždy ho přitahovala možnost zobrazit na plátně určitý fragment času, akce a prostoru. Obraz „Pole vlčích máků v Argenteuil“ odráží další vášeň umělce - lásku ke květinám. Jednou Monet dokonce označil svou zahradu za své hlavní mistrovské dílo.

Tento obraz je přehledně rozdělen do několika částí, z nichž nejdůležitější je ta, která zobrazuje šarlatové květy, kontrastující s prázdnou pravou stranou plátna. Vidíme také dva páry namalované od umělcovy manželky Camille a jeho nejstaršího syna Jeana. Jejich umístění pomáhá strukturovat prostor obrazu a zprostředkovat zachycený pohyb.

Monet při práci na obraze nemíchal barvy, ale aplikoval tahy rozdílné barvy které lidské oko vnímá jako odlišné barevné odstíny. Významnější věci přitom umělec předepisoval pečlivěji. Akcenty jsou zde tedy provedeny na květinách a horní části lidských postav v popředí, zatímco pole na pravé straně obrazu a obloha jsou méně zřetelné.

Pierre Auguste Renoir. "Most do Shatu" (1875)

Chatou je další malebný kout Francie, který milují umělci nového směru. Bývá nazýván ostrovem impresionistů, protože v tomto místě se Seina dělí na dvě ramena. Stejně jako v sousedním Argenteuil i ve městě Chatou z 19. století vládla atmosféra veselé pohody a hlučné animace.

Lidé sem chodili plavat, jezdit na lodi nebo si udělat piknik a tato jednoduchá témata se odrážela v obrazech impresionistů. Podnik otce Fournaise pod Pont Chatou, kde se dalo nejen přenocovat, ale také si pronajmout pokoje, byl Renoirovým oblíbeným místem. Právě v této instituci umělec vytvořil svůj obraz „Snídaně veslařů“, ve kterém zobrazil své známé a přátele. V roce 1990 byla restaurována restaurace "Dom Fournaise", v současné době je zde malé muzeum.

Obraz "Most u Chatou" se liší od většiny Renoirových děl. Na rozdíl od Moneta měl umělec mnohem více rád zobrazování lidí a také preferoval sytější barevnou paletu. A přesto je „Most do Shatou“ krajinou, ve které jsou lidé rozmazané tmavé postavy. Most je nakreslen pečlivěji než jiné prvky, navíc je zde vyobrazeno tak oblíbené vodáctví. Krajina je charakteristická neostrými liniemi a zakouřeným světlem a vzdušným prostředím. Absence jasně vysledovatelných lidských postav navozuje pocit odlehlosti a světlá a barevná paleta pomáhá vidět radost v obyčejnosti.

Frederic Basil. „Krajina na březích Lez“ (1870)

Díky Basilově krajině jsme se vydali ze střední části Francie na jih, do umělcova rodného kraje. Basilovo jméno je mnohem méně známé než jména jeho přátel Moneta a Renoira, protože zemřel ve věku 28 let. „Krajina na březích Lez“ je jedním z posledních děl umělce: krátce po dokončení práce na plátně se Basile dobrovolně přihlásil francouzsko-pruská válka kde brzy zemřel.

Umělec dokončil krajinu v rekordním čase, trvalo mu to jen něco málo přes dva měsíce. Během práce byli Basilovi příbuzní pryč a neodváděli jeho pozornost od obrazu. Navíc oblast dobře znal. V dopise svému bratrovi tedy přesně uvedl, které místo zobrazuje: „Břeh řeky Lez poblíž mlýna v Navilau a silnice do Clapier.“

Obraz se velmi liší od krajin Moneta a Renoira, protože Basile upřednostňoval malování slunce na jeho zenitu a zobrazení drsného světla, odlišného od beztížného a kouřového světla na plátnech jeho přátel. Basil také používá jasné kontrastní barvy a je přesnější a důkladnější při práci na detailech obrazu. Díky tomu můžeme na plátně „Krajina na březích Lez“ rozpoznat stromy a vegetaci charakteristické pro jižní část Francie.

Camille Pissarro. Pont Boildieu v Rouenu za deštivého dne (1896)

Camille Pissarro vstoupil do dějin impresionismu jako mistr městské krajiny. Namaloval několik obrazů zobrazujících Rouen, který se nachází na severu Francie. Pissarro šel do tohoto města poté, co viděl cyklus Clauda Moneta věnovaný rouenské katedrále.

Pissarro, stejně jako Monet, používá k tvorbě pláten světlo a vzduch. Láká ho možnost zobrazit město jako živý organismus, který je v neustálém pohybu. Používá tmavší barevné schéma a hutnější tahy, ale zároveň jeho obrazy působí realističtěji. Nezvyklý úhel se často vysvětluje tím, že Pissarro maloval z okna hotelu.

Umělec se snažil na plátně reflektovat industriální prvky, které se postupně objevují ve vzhledu města. Právě to je zajímavé pro Pissarro Rouen, který i přes znamenitou architekturu v konec XIX století se stalo přístavním městem a průmyslovým centrem.

Paul Cezanne. „Pohled na záliv v Marseilles z Estac“ (1885)

Krajina Paula Cezanna nás opět vrací na jih Francie, ale zároveň je zcela odlišná od již zvažovaných obrazů. Cézannovo plátno i nepřipravenému divákovi připadá odvážnější než tvorba jiných impresionistů. Ne náhodou je umělec často nazýván otcem soudobé umění.

Cezanne, který se narodil na jihu země, ve svých obrazech často zobrazoval jižní krajiny. Okolí rybářské vesnice Estac se stalo jedním z jeho oblíbených námětů pro krajinu. V 80. letech 19. století se Cezanne při pokusu o útěk z rodinné potíže přišel do Estacu a namaloval asi deset obrazů, které znázorňovaly Marseillský záliv.

Jeden z vrcholů tohoto období, Pohled na zátoku Marseille z Estacu, je jedním z vrcholů Cezannova obrazu, který ovlivnil Pabla Picassa. Je to o především o umělcových zvláštních hustých horizontálních tahech, jakož i o použití tak hlubokých a sytých barev, jako je oranžovožlutá. Cezanne se daří dosáhnout trojrozměrného obrazu vody pomocí různých odstínů. modré barvy, stejně jako zelené a fialové skvrny. Stejně jako ostatní impresionisté i Cezanne rád maloval moře, oblohu a hory, ale v jeho obrazu se zdají být hustší a jasněji definované.

Claude Monet. Vlčí mák. 1773 Musée d'Orsay, Paříž

Maki, jedna z nej slavných děl Claude Monet, viděl jsem dovnitř. V tu chvíli se na to však pořádně nedívala. Jako fanoušek se mi oči rozšířily ze všech těch mistrovských děl, která jsou v tomto muzeu!

Později už jsem samozřejmě „Maki“ náležitě zvážil. A zjistil, že si jich muzeum ani pár nevšimlo zajímavé detaily. Pokud se na obrázek podíváte pozorněji, pravděpodobně vás napadnou alespoň tři otázky:

1. Proč jsou máky tak velké?
2. Proč Monet zobrazil dva téměř identické páry postav?
3. Proč umělec do obrázku nenakreslil oblohu?

Na tyto otázky odpovím v pořadí.

1. Proč jsou vlčí máky tak velké?

Vlčí máky jsou zobrazeny velmi velké. Většina z nich má velikost hlavy vyobrazeného dítěte. A když vezmete vlčí máky z pozadí a přiblížíte je postavám v popředí, pak budou ještě větší než hlava dítěte i zobrazené ženy. Proč je to tak nereálné?

Monet podle mého názoru záměrně zvětšil velikost vlčích máků: tímto způsobem opět dal přednost živému vizuálnímu dojmu před realističností zobrazených předmětů.

Zde lze mimochodem vyvodit paralelu s jeho technikou zobrazování leknínů v jeho pozdějších dílech.

Pro názornost se podívejte na fragmenty obrazů s lekníny různé roky(1899-1926). Vrchní dílo je nejstarší (1899), spodní je nejnovější (1926). Je zřejmé, že postupem času byly lekníny stále abstraktnější a méně detailní.

Zřejmě "Vlčí máky" - to je jen předzvěst převahy abstraktního umění v pozdějších Monetových obrazech.

Obrazy Clauda Moneta. 1. Vlevo nahoře: Lekníny. 1899 d. Soukromá sbírka. 2. Vpravo nahoře: Lekníny. 1908 d. Soukromá sbírka. 3. Uprostřed: Jezírko s lekníny. 1919 Metropolitní muzeum umění, New York. 4. Dole: Lilie. 1926 Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City.

2. Proč jsou na obrázku dvě dvojice stejných postav?

Ukazuje se, že pro Moneta bylo také důležité, aby ve svém obrazu ukázal pohyb. Dosáhl toho neobvyklým způsobem, zobrazující sotva viditelnou cestu na kopci mezi květinami, jakoby vyšlapanou mezi dvěma páry postav.

Na úpatí kopce s vlčími máky je vyobrazena jeho žena Camille a syn Jean. Camilla je tradičně zobrazována se zeleným deštníkem, stejně jako na obraze „Žena s deštníkem“.

Nahoře na kopci je další pár ženy a dítěte, pro které s největší pravděpodobností pózovala i Camilla a její syn. Proto jsou si oba páry podobné.

Claude Monet. Vlčí mák. Fragment. 1873 Musée d'Orsay, Paříž.

Tato dvojice postav na kopci je zobrazena snad výhradně pro vizuální efekt pohybu, o který Monet tolik usiloval.

3. Proč Monet nenamaloval oblohu?

Další pozoruhodný bod: všimněte si, jak špatně je obloha vykreslena až po holé části plátna vlevo.

Claude Monet. Vlčí mák. Fragment. 1873.

Mohu předpokládat, že jde o samotnou techniku ​​impresionismu: Monet maloval obrazy v řádu hodin a dokonce minut, aby v určitém okamžiku dne zobrazil hru světla a barev. Proto nebyl vždy dostatek času na všechny prvky krajiny. Vypracování všech detailů je spousta studiové práce, ne venkovní práce.

Mimochodem, obraz „Vlčí máky“ byl vystaven i na první výstavě impresionistů v roce 1874, o které jsem psal podrobněji v článku.

Velký francouzský impresionistický malíř Claude Monet Oscar-Claude Monet), (1840-1926) velmi rád maloval květiny. Maloval květiny po celý svůj život, v různých obdobích kreativity. Častěji zahradní a polní květiny, méně často - řezané květiny ve vázách.

Květiny byly jeho vášní. Monet řekl, že ze všeho nejvíc v životě miluje dvě věci: malování a zahradničení. Největší potěšení proto zažíval, když na svých obrazech zobrazoval květiny.

Dokonce i členové své rodiny vždy psal obklopený květinami, čímž zdůrazňoval svou upřímnou lásku k nim.

"Možná to bylo díky květinám, že jsem se stal umělcem," řekl o sobě Claude Monet.

Jeden z brzká práce Claude Monet "Ženy v zahradě", 1866-1867, Musée d'Orsay, Paříž.

Postavy žen jsou na tomto plátně vyobrazeny velmi stylizovaně. Umělec klade důraz na hru světla a stínu, na listí stromů a květin. Monet stále hledá svůj vlastní styl, do oficiálního data zrodu impresionismu zbývá ještě pět let.
Modelkou pro všechny tři ženy byla 19letá Camille Donsier, budoucí manželka Clauda Moneta.

Plátno je velmi velké, jeho rozměry jsou 2,05 x 2,55 m.
Umělec zamýšlel vystavit tento obraz na pařížském salonu v roce 1967, ale porota jej zamítla.

Na sklonku života Clauda Moneta, kdy již byl uznávaným a proslulým mistrem, v roce 1921 francouzská vláda koupila od umělce obraz „Ženy v zahradě“ za 200 tisíc franků.

Svatý Andress

"Terasa u St. Andress", ca. 1867, Metropolitní muzeum umění, New York. Tento obraz zobrazuje umělcovu rodinu, která žila v malém přístavním městečku Saint-Andresse poblíž Le Havre na pobřeží Normandie. Otec Monet a jeho teta Madame Lecadre sedí v křeslech. U zábradlí stojí vzdálený příbuzný Monet Jeanne-Margarita s mladým mužem. Můžete říct, že je to rodinná scéna v pozadí přímořská krajina. Ale podívejte se, jak jsou květiny nakresleny v popředí obrázku! Jak dobře Monet zprostředkoval texturu květin a hru světla a stínů.
Kvetoucí zahrada u St. Andress, c. 1866, Musee d'Orsay, Paříž.
„Adolphe Monet čtení v zahradě Le Coteau v Saint Andress“, c. 1866
"Dáma v zahradě", 1867, Státní Ermitáž, Petrohrad. Obraz zachycuje vzdálenou příbuznou Clauda Moneta, Jeanne-Marguerite Lecadre, v zahradě u St. Andress.

Argenteuil, 1872-1977

Claude Monet vždy chtěl mít vlastní zahradu, kde by mohl v klidu pracovat pod širým nebem.

Na konci roku 1871 se Claude Monet a jeho rodina usadili v Argenteuil. Tehdy to byla malá rekreační vesnička poblíž Paříže, 12 km od centra města, nacházející se na malebném břehu Seiny. Argenteuil je nyní součástí Velká Paříž. V Argenteuil měl Monet svůj vlastní dům a první zahradu. Zdá se mi, že to bylo v Argenteuil nejlepší obrazy Claude Monet. Bylo to nejjasnější období jeho tvorby. Monetův obraz je obecně světlý, ale právě v Argenteuil jeho plátna prostě září radostí. Těch bylo zřejmě nejvíce šťastná léta jeho život. Téměř všechna plátna namalovaná v Argenteuil zobrazují Camille, milovanou první manželku Clauda Moneta.

V těch letech bylo Argenteuil oblíbeným místem pro dovolenou Pařížanů, pravidelně se zde konaly jachtařské regaty. V Argenteuil vedl Železnice, dostat se tam z Paříže bylo rychlé a snadné. Nejen Monet, ale i další impresionističtí umělci Manet, Renoir, Sisley, Caillebotte malovali své krajiny v Argenteuil.

Přítel umělce Renoira ho zachytil při práci v Argenteuil a díky tomu můžeme vidět, jak vypadala zahrada Clauda Moneta a jak maloval pod širým nebem. Pierre-Auguste Renoir, Monetův obraz ve své zahradě v Argenteuil, 1873
A Edouard Manet namaloval rodinný portrét umělce na pozadí kvetoucí zahrady. Édouard Manet, The Monet Family in their Garden at Argenteuil, 1874, Metropolitan Museum of Art, New York. Obraz zobrazuje Clauda Moneta, jak se stará o květiny, jeho manželku Camille a syna Jeana. Zahrada, květiny a kuřata. To vše bude mít Claude Monet za 10 let v Giverny.
Pierre Auguste Renoir, Madame Monet a její syn, 1974 Národní galerie, Washington. Camille Monet a její syn Jean. Zdá se, že Edouard Manet a Renoir napsali Monetovu rodinu ve stejný den a na stejném místě. Toto plátno bylo uloženo ve sbírce Clauda Moneta v Giverny. Umělcův mladší syn Michel Monet jej prodal v roce 1952 v období naprosté devastace Giverny. Po několika dalších prodejích z vůle posledního majitele v roce 1970 se tento obraz dostal do Národní galerie ve Washingtonu.

"Dům umělce v Argenteuil", 1873. Art Institute, Chicago.
Monetova zahrada v Argenteuil, 1873
"Domy v Argenteuil", 1873, Alte Nationalgalerie, Berlín. V létě byl Argenteuil doslova pohřben v květinách.
Květiny u řeky v Argenteuil, 1877, Pola Museum of Art, Hakone, Japonsko. Seina u Argenteuil je velmi malebná, v tomto místě tvoří krásnou zákrutu. Claude Monet byl fascinován řekou a přírodou Argenteuil, nadšeně zde pracoval pod širým nebem.
Camille Monet na zahradní lavičce. 1873 Metropolitní muzeum, New York. Jako vždy zahrada a jako vždy květiny. Upozornění: na lavičce vedle Camilly je kytice květin.
Jean Monnet na cyklistickém koni. 1872 Metropolitní muzeum, New York. Ani při malování portrétu svého syna Claude Monet nezapomněl na květiny. Všechno významné události nejraději zachycoval život na svých plátnech na pozadí květin.
"Na louce", 1876 Na plátně je vyobrazena umělcova manželka Camille Monet, jak čte knihu na louce, obklopená lučními květinami.
"Jabloně v květu", 1873. Úžasný!
„Umělcova rodina v zahradě“, 1875
"V zahradě", 1875 Tento obrázek zjevně zobrazuje stejný roh zahrady jako předchozí, jen o několik měsíců později - na podzim. Claude Monet rád maloval cykly obrazů – stejné předměty v různých světelných podmínkách: v různých ročních obdobích, v různé denní doby. Snažil se zprostředkovat pomíjivé stavy prostředí světlo-vzduch, zachytit sotva postřehnutelné polotóny barev. Vidíme, jak se mění kout zahrady, jak mizí barvy, ubývá světla. Květiny na záhonu uschly a listy na stromech zežloutly.
"Žena s deštníkem" ("Walk: Camille Monet se svým synem Jean"), 1875, National Gallery of Art, Washington.
"Camille Monet se svým synem", 1875, Museum of Fine Arts, Boston, USA.
Roh zahrady v Montgeronu, ca. 1876, Státní muzeum Ermitáž, Petrohrad. Montgeron je malé město na předměstí Paříže, které se nachází 18,5 km jihovýchodně od centra města. Nyní je to jedno z jihovýchodních předměstí Paříže.

„Žena s deštníkem v zahradě v Argenteuil“, 1875.	"Procházka, Argenteuil", 1875.	"Procházka v Argenteuil", 1875, Musée Marmottan Monet, Paříž.
"Zahrada", 1872.	Camille Monet v zahradě, 1873	"Camille Monet u okna. Argenteuil", 1873.
„Břeh Seiny u mostu v Argenteuil“, 1874.	„Camille a Jean Monnet v zahradě v Argenteuil“, 1873.	"Camille Monet v zahradě v Argenteuil", 1876, Metropolitan Museum of Art, New York.
"Mečík". OK. 1876. Art Institute, Detroit, USA.	"Dívky v zahradě", 1875, Národní galerie v Praze.	"Camille se zeleným deštníkem", 1876.
"Zahradní brána u Vethea", 1876.	"Zahrada", 1876.	"Zahrada, sléz", 1877.

Velmi zajímavá série "Lilac". Porovnat:

maková pole

Jeden z nejvíce slavný obraz Pole máku Clauda Moneta (1873, Musée d'Orsay, Paříž) bylo namalováno v Argenteuil, nedaleko umělcova domova. Obraz zobrazuje Monetovu manželku Camille a jeho syna Jeana. Jeho žena a syn pravděpodobně sloužili také jako modely pro postavy dámy s dítětem v pozadí.
Podívejte se, jak výrazně umělec maloval šarlatové máky a žluté pryskyřníky. Camille a Jean se doslova topí v mácích a tvoří naprostou harmonii s přírodou sluníčka letní den.
Monet zvolil pro svůj obraz velmi dobrý úhel - v levé dolní části obrazu se nacházejí šarlatové vlčí máky, diagonálně podél kterých kráčí Camille a Jean. Zdá se, že vlčí máky přesahují plátno.

Pole vlčího máku Moneta fascinovaly. Ve své tvorbě se k nim opakovaně vracel. Upoutal ho kontrast červených vlčích máků a zelené trávy.

"Léto. Makové pole", 1875, soukromá sbírka.

"Makové pole u Vetey" 1879.

„Pole vlčích máků v dolíku poblíž Giverny“, 1885. Museum of Fine Arts, Boston.

"Pole vlčích máků", cca 1890. Státní Ermitáž, Petrohrad.

"Ovesné pole s mákem", 1890. Muzeum moderního umění, Štrasburk.

„Pole vlčích máků v Giverny“ . 1890-1891 Art Institute, Chicago.

"Pole červených máků poblíž Giverny", 1895. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, USA.

tulipánová pole

Claude Monet navštívil Holandsko několikrát. A samozřejmě nemohl zůstat lhostejný k tulipánům. Vytvořil sérii obrazů zobrazujících hlavní atrakce Holandska - pole tulipánů a větrné mlýny.

Tulip Fields v Sassenheimu, poblíž Leidenu, 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA.

"Tulipánová pole a větrné mlýny v Rijnsburgu", 1886, soukromá sbírka.

Tulipánová pole v Holandsku, 1886. Musée d'Orsay, Paříž.

„Pole tulipánů v Holandsku“ . 1886, Musée Marmottan Monet, Paříž.

Vetheuil, 1879-1881

"Umělecká zahrada ve Vetheuil", 1880. Národní galerie, Washington.

V roce 1879 se rodina Monetových přestěhovala do Vetheuil, malé vesnice na břehu Seiny, 65 km severozápadně od Paříže. Zde měl Claude Monet druhého syna Michela, ale jeho první manželka Camille bohužel brzy zemřela.
Rodina Monet žila v Vetheuil až do roku 1881.

Claude Monet se setkává s rodinou Alice Hoschedé, kterou zná několik let. Žijí spolu, později se Alice stala jeho druhou manželkou. Ale na obrazech Clauda Moneta je Alice Goshede, na rozdíl od Camille, velmi vzácná. Její dcery, nevlastní dcery Clauda Moneta, sloužily jako modely pro umělcova plátna.

„Květiny na březích Seiny poblíž Vetheuil“, 1880.	"Alice Goshede v zahradě", 1881. Budoucí druhá manželka Clauda Moneta.	"Schodiště u Vethea", 1881.
"Isle of Flowers near Vetheus", 1880, Metropolitan Museum of Art, New York.	"Květiny ve Veteya", 1881.	"Květiny ve Veteya", 1881.

Květiny ve váze

Claude Monet ze všeho nejvíc miloval zahradní a divoké květiny, ale občas maloval i zátiší, kytice řezaných květin.

"Jarní květiny", 1864. Umístění obrazu je v současné době neznámé.
Samozřejmě je stále těžké na tomto plátně rozpoznat budoucího velkého impresionistického umělce.

"Chryzantémy", 1878. Musée d'Orsay, Paříž.

"Kytice slézu", 1880.

"Slunečnice", 1881. Metropolitní muzeum, New York.

"Chryzantémy" 1882. Metropolitní muzeum, New York.

"Fialové máky", 1883. Muzeum Boijmans-van Beuningen, Rotterdam, Nizozemsko.

Sasanky, ca. 1885, soukromá sbírka.

„Dvě vázy s chryzantémami“ . 1888, soukromá sbírka.

Giverny 1883-1926

V roce 1883 se rodina Claude Monet přestěhovala do Giverny. Jedná se o malou vesničku v malebné oblasti na břehu řeky Epte, na jejím soutoku se Seinou, asi 80 km od Paříže. Claude Monet bude žít v Giverny po zbytek svého života.

Do této doby se jím stal slavný umělec a dobře situovaný člověk. V roce 1890 se mu podařilo koupit dům v Giverny, kde žila jeho rodina. V domě vybavil prostornou dílnu.

Claude Monet výrazně rozšířil svou zahradu, upravil v ní jezírko, do kterého přicházela voda ze speciální vodní nádrže postavené na řece Epte.

V těchto letech se Claude Monet začal zajímat o japonskou kulturu, japonské tisky, zejména tisky velkého japonského umělce Hokusaie.
Pro údržbu zahrady Monet najal japonského zahradníka, který mu pomohl zahradu v japonském stylu upravit. Sám Monet se přímo podílel na plánování zahrady. Umělec odebíral časopis Revue horticole (Časopis Zahradnictví), objednával rostliny a květiny od rozdílné země mír.

Tato zahrada se stala hlavní láska PROTI minulé rokyživot umělce. Pracoval v ní, psal ji ve všech podobách, z různých míst, v různou denní dobu. Zahrada se pro umělce stala hlavním zdrojem inspirace.
Monet pěstoval na zahradě různé květiny, v jezírku rostly lekníny, přes jezírko byl přehozen slavný „japonský most“. Dokázal strávit hodiny obdivováním své zahrady a pozorováním sebemenší změna osvětlení, počasí.
Na podzim roku 1899 začal Claude Monet malovat svou slavnou sérii Lekníny, na které pracoval až do konce svých dnů.

Claude Monet ve své zahradě s jezírkem s lekníny v pozadí, 1905

Claude Monet ve své zahradě, c. 1917 Foto: Etienne Clementel.
Obrázky vypadají trochu "barevně" a rozmazaně, protože to byly stereoskopické obrázky, bylo nutné je prohlížet speciálními barevnými brýlemi, pak se obrázek ukázal jako objemný.

Claude Monet (vpravo) ve své zahradě v Giverny. 1922 Foto s laskavým svolením The New York Times.

"Ulička v zahradě", 1902. Galerie Belvedere, Vídeň. Kvetoucí oblouk v Giverny, 1913. Phoenix Museum of Art, Arizona, USA. "Rose Arch at Giverny (Flower Arch)" . 1913, soukromá sbírka. "Žluté kosatce", mezi 1914-1917 národní muzeum Západní umění, Tokio. „Cesta mezi kosatci“. 1914-17, Metropolitan Museum of Art, New York. "Bílé lekníny". 1899 Puškinovo muzeum im. TAK JAKO. Puškin, Moskva.
Slavný rybník s lekníny a japonský most. "Rybník s lekníny (japonský most)", 1899. Metropolitní muzeum, New York. "Jezírko s liliemi. Harmonie v zelené." 1899, Národní galerie, Londýn. "Jezírko s liliemi. Harmonie v zelené." 1899, Musée d'Orsay, Paříž. "Vody. Harmonie v růžové". 1900 Musée d'Orsay, Paříž. "Jezírko s lekníny". 1900 Art Institute, Chicago.

Na prvních plátnech série Lekníny Claude Monet zobrazil jezírko s japonským mostem na pozadí bujné zahradní vegetace.

V nedávné práce zobrazující jezírko s lekníny, vše záměrně zkreslil přijatá pravidla perspektivu, opustil horizont a maloval pouze vodu s lekníny. Lekníny plovoucí na vodě jsou často odříznuty okrajem plátna, zdá se, že skutečný rybník je něco víc, než co je znázorněno na obrázku.
Tato série "Waters" má více než 60 pláten.

"Vody". 1906 Art Institute, Chicago.
"Vody", 1916. Národní muzeum západního umění, Tokio. Toto obrovské, 2metrové plátno je jedním z nejvýraznějších ze série Lekníny. Růžové a žluté ostrůvky leknínů se nacházejí na tmavě modré, tmavě zelené a dokonce fialové hladině jezírkové vody. Celý obraz je v pohybu, vidíme proplétající se kořeny leknínů. Samotné květy leknínu doslova vyčnívají nad hladinu vody. Claude Monet cítil přírodu velmi jemně a dokázal přenést všechny její jemnosti a modulace na svá plátna.
"Vody". 1920-26 Muzeum Orangerie, Paříž.

V roce 1980 byl pro veřejnost otevřen dům a zahrada Clauda Moneta v Giverny. Nyní je to jedno z nejoblíbenějších muzeí mezi turisty na předměstí Paříže.